Antonello da Messina är en känd italiensk artist. Under den tidiga renässansen representerade han den södra målarskolan. Han var lärare till Girolamo Alibrandi, som fick smeknamnet Messinian Raphael. För att uppnå färgdjupet i skarpa porträtt och poetiska målningar använde han tekniken oljemålning. I artikeln kommer vi att uppmärksamma en kort biografi om konstnären och uppehålla oss mer i detalj vid hans arbete.
Representant för den nya riktningen
Mång information om Antonello da Messinas liv är kontroversiell, tveksam eller förlorad. Men det är ganska uppenbart att det var han som visade de venetianska konstnärerna oljemålningens lysande möjligheter. Därmed lade italienaren grunden för ett av nyckelområdena inom västeuropeisk konst. Efter exemplet från många andra konstnärer på den tiden kombinerade Antonello den holländska traditionen av optiskt korrekt återgivning av bilddetaljer med bildnyheter.italienare.
Historiker har hittat ett dokument om att hjälten i denna artikel hade en student 1456. Det vill säga att målaren troligen föddes före 1430. Neopolitanen Colantonio var Antonello da Messinas första lärare, vars verk kommer att beskrivas nedan. Detta faktum bekräftar budskapet från J. Vasari. Just vid den tiden var Neapel under kulturellt inflytande av den iberiska halvön, Nederländerna och Frankrike, snarare än norra Italien och Toscana. Under inflytande av Van Eycks och hans anhängares arbete ökade intresset för målning för varje dag. Det ryktades att hjälten i denna artikel studerade tekniken för oljemålning av honom.
Porträttmästare
Vid födseln var Antonello da Messina italienare, men genom konstutbildning var han till stor del släkt med norra Europas bildtraditioner. Han målade fantastiska porträtt, som utgör nästan trettio procent av hans överlevande verk. Vanligtvis avbildade Antonello modellbysten och närbild. Samtidigt placerades axlarna och huvudet mot en mörk bakgrund. Ibland i förgrunden målade konstnären en bröstvärn med en cartellino fäst vid den (ett litet papper med en inskription). Illusorisk noggrannhet och grafik i överföringen av dessa uppgifter indikerar att de är av holländskt ursprung.
Porträtt av en man
Denna målning målades av Antonello da Messina 1474-1475. är ett av hans bästa verk. Mästarens palett är begränsad till rika bruna, svarta och individuella drag av kött ochvita blommor. Undantaget är den röda hatten, kompletterad med en kikar mörkröd rand på den nedre klänningen. Den inre världen av den ritade modellen avslöjas praktiskt taget inte. Men ansiktet utstrålar intelligens och energi. Antonello modellerade den väldigt subtilt med chiaroscuro. Den skarpa teckningen av ansiktsdrag, i kombination med ljusets spel, ger Antonellos verk en nästan skulpturell uttrycksfullhet.
Det är en man
Porträtt av italienaren lockar betraktaren med en blank, glänsande yta och ett kammarformat. Och när Messina överför dessa egenskaper till det religiösa måleriet (målningen "This is a Man"), då blir åsynen av mänskligt lidande fruktansvärt smärtsam.
Med tårar i ansiktet och ett rep runt halsen stirrar den nakna Kristus på betraktaren. Hans figur fyller nästan hela dukens fält. Tolkningen av handlingen skiljer sig något från temat för ikonmålning. Italienaren försökte förmedla den psykologiska och fysiska bilden av Kristus så realistiskt som möjligt. Det är detta som får tittaren att fokusera på meningen med Jesu lidande.
Maria Annunziata av Antonello da Messina
Det här verket är, till skillnad från bilden "This is a man", en helt annan stämning. Men från betraktaren kräver det också en inre upplevelse och känslomässigt deltagande. När det gäller "Maria Annunziata" tycks Antonello placera betraktaren i ärkeängelns plats i rymden. Detta ger en känsla av mental delaktighet. Jungfru Maria, som sitter vid musikläktaren, håller den blå slöjan som kastats över henne med sin vänstra hand och höjer sin andra hand. Kvinnahelt lugnt och omtänksamt verkar hennes jämnt upplysta, skulpterade huvud utstråla ljus mot bildens mörka bakgrund.
“Maria Annunziata” är inte det enda bystporträttet av en kvinna målat av Antonello da Messina. "Bebådelsen" är namnet på en annan liknande målning av målaren, som föreställer samma Jungfru Maria, bara i en annan position: hon håller den blå slöjan med båda händerna.
I båda målningarna försökte konstnären uttrycka känslan av en kvinnas andliga förbindelse med högre makter. Hennes ansiktsuttryck, hållningen av hennes händer och huvud, såväl som hennes blick berättar för betraktaren att Mary nu är långt från den dödliga världen. Och målningarnas svarta bakgrund framhäver bara Jungfruns avskildhet.
St. Jerome i cellen
På bilderna som diskuterats ovan finns det inte ens ett minim alt intresse för problemet med att överföra det omgivande utrymmet. Men i andra verk var målaren i detta avseende betydligt före sin tid. På målningen St. Jerome in a Cell” skildrar ett helgon som läser vid ett notställ. Hans arbetsrum ligger inne i en gotisk hall, på vars bakvägg fönster är skurna i två våningar. I förgrunden är bilden inramad av en bård och en båge. De uppfattas som proskenium (en teknik som är vanlig inom konsten i länder norr om Alperna). Senapsfärgen på stenen framhäver kontrasten mellan skugga och ljus inuti det grottliknande utrymmet. Detaljerna i bilden (landskap i fjärran, fåglar, föremål på hyllorna) förmedlas med en mycket hög grad av noggrannhet. Denna effekt kan endast uppnås när man applicerar oljefärg med ganska litenslag. Men den viktigaste fördelen med att måla ja Messina är fortfarande inte i den pålitliga överföringen av detaljer, utan i den stilistiska enheten av luftmiljö och ljus.
Monumental altare
I 1475-1476 konstnären bodde i Venedig. Där målade han en magnifik altartavla till kyrkan San Cassiano. Tyvärr är det bara dess centrala del som har överlevt till denna dag, där Madonnan med barnet är avbildad som tornar upp sig på tronen. På vardera sidan om den finns helgon. Detta altare tillhör typen sacra conversione. Det vill säga, Madonnan och barnet och helgonen är i samma utrymme. Och detta är motsatsen till en polyptyk som är uppdelad i delar. Rekonstruktionen av det monumentala altaret baserades på Giovanni Bellinis senare verk.
"Pieta" och "Crucifixion"
Antonellos oljemålning, eller snarare, förmågan att förmedla ljus med denna teknik, uppskattades mycket högt av hans medkonstnärer. Sedan dess har venetiansk kolorism enbart baserats på utvecklingen av den stora potentialen i en ny riktning. Da Messinas verk från den venetianska perioden följer samma konceptuella trend som hans tidigare verk. Den hårt slitna målningen "Pieta", även i så skadat tillstånd, fyller publiken med en spänd känsla av medkänsla. På locket till graven hålls Kristi döda kropp av tre änglar med spetsiga vingar som skär genom luften. Konstnären avbildade den centrala figuren närbild.
Det är som om det trycks mot ytan på duken. Empati med det avbildade lidandet - det var vad Antonello da Messina uppnådde med ovanstående teknik. "Korsfästelsen" är en annan bild av målaren. Det liknar Pieta till tema. Duken föreställer Jesus korsfäst på korset. Till höger om honom sitter Maria, och till vänster om honom aposteln Johannes. Liksom Pieta syftar målningen till att väcka empati hos betraktaren.
Saint Sebastian
Denna målning är ett exempel på hur Antonello tävlade i heroisk nakenhet och behärskning av linjärt perspektiv med sina norditalienska motsvarigheter. Mot bakgrund av det stenbelagda torget får helgonets kropp som är genomborrad av pilar enorma dimensioner. Utrymmet som rusar ner i djupet, ett fragment av en kolumn i förgrunden och ett perspektiv med en mycket låg flyktpunkt bekräftar att målaren använde principerna för euklidisk geometri när han byggde kompositionen.
Intressanta fakta
- Antonello da Messina, vars målningar beskrevs ovan, avbildade vanligtvis sina hjältar i bystlängd, närbild och mot en mörk bakgrund.
- Enligt G. Vasari reste italienaren till Nederländerna för att lära sig hemligheten med en ny målarteknik. Detta faktum har dock inte bevisats.
- Fram till nu har det inte fastställts tillförlitligt vem som lärde hjälten i denna artikel oljemålning. Det ryktades vara Van Eyck.
