Musik är en betydande del av världskulturen, utan den skulle vår värld vara mycket fattigare. Musikkultur är ett medel för personlighetsbildning, den tar upp en estetisk uppfattning om världen hos en person, hjälper till att känna igen världen genom känslor och associationer med ljud. Man tror att musik utvecklar hörsel och abstrakt tänkande. Förvärv av ljudharmoni är lika användbart för musik som matematik. Låt oss prata om hur bildandet och utvecklingen av musikkulturen ägde rum och varför människor behöver denna konst.
Koncept
Musik spelar en speciell roll i mänskligt liv, sedan urminnes tider har ljud fascinerat människor, fördjupat dem i trans, hjälpt till att uttrycka känslor och utveckla fantasin. Kloka människor kallar musik för en spegel av själen, det är en form av känslomässig kunskap om världen runt omkring. Därför börjar musikkulturen att bildas vid gryningen av mänsklighetens bildande. Hon följer med osscivilisationen från dess allra första början. Idag betyder termen "musikalisk kultur" hela musikaliska värden, systemet för deras funktion i samhället och sätten för deras reproduktion.
I tal används denna term på linje med synonymer som musik eller musikalisk konst. För en individ är musikkultur en integrerad del av allmän estetisk utbildning. Det bildar smaken av en person, hans inre, individuella kultur. Kunskapen om denna typ av konst har en transformerande effekt på en persons personlighet. Därför är det så viktigt att behärska musik från barndomen, att lära sig förstå och uppfatta den.
Teoretiker tror att musikkultur är en komplex helhet, som inkluderar förmågan att navigera i stilar, genrer och riktningar för denna konstform, kunskap om musikens teori och estetik, smak, emotionell lyhördhet för melodier, förmågan att extrahera från ljud semantiskt innehåll. Detta komplex kan också innehålla både prestations- och skrivfärdigheter. Den välkände filosofen och konstteoretikern M. S. Kagan menade att musikkultur kan särskiljas genom en individuell dimension, det vill säga nivån på en individ, hans kunskaper, färdigheter inom området för denna konst, såväl som en gruppnivå som är knuten till vissa subkulturer och ålderssegment av samhället. I det senare fallet talar forskaren om musikalisk utbildning och utveckling av barn.
Musikfunktioner
Ett så komplext och viktigt konstfenomen som musik är oerhört nödvändigt för både en individ och samhället som helhet. Det här är konstutför ett antal sociala och psykologiska funktioner:
1. Formande. Musik är involverad i bildandet av den mänskliga personligheten. Bildandet av en individs musikkultur påverkar hans utveckling, smak och socialisering.
2. Kognitiv. Genom ljud förmedlar människor förnimmelser, bilder, känslor. Musik är en sorts reflektion av omvärlden.
3. Pedagogisk. Liksom all konst kan musik forma vissa, rent mänskliga egenskaper hos människor. Det är inte förgäves att det finns en synpunkt att förmågan att lyssna och skapa musik skiljer en person från ett djur.
4. Mobilisera och ringa. Musik kan stimulera en person till handling. Det är inte förgäves att det finns marschmelodier, arbetarsånger som förbättrar människors aktivitet, dekorerar den.
5. Estetisk. Ändå är konstens viktigaste funktion förmågan att ge njutning till en person. Musik ger känslor, fyller människors liv med andligt innehåll och ger ren glädje.
Musikkulturens struktur
Som ett soci alt fenomen och en del av konsten är musik en komplex enhet. I vid mening kännetecknas dess struktur av:
1. Musikaliska värden producerade och sänds i samhället. Detta är grunden för musikkulturen, som säkerställer kontinuiteten i historiska epoker. Värderingar låter dig förstå essensen av världen och samhället, de är andliga och materiella och realiseras i form av musikaliska bilder.
2. Olika aktiviteter förproduktion, lagring, sändning, reproduktion, uppfattning om musikaliska värden och verk.
3. Sociala institutioner och institutioner involverade i olika typer av musikaliska aktiviteter.
4. Individer som är involverade i skapande, distribution och framförande av musik.
I en snävare förståelse av kompositören D. Kabalevsky är musikkultur synonymt med termen "musikalisk läskunnighet". Den yttrar sig, enligt musikern, i förmågan att uppfatta musikbilder, avkoda dess innehåll och skilja bra melodier från dåliga.
I en annan tolkning förstås fenomenet som studeras som en viss allmän egenskap hos en person, uttryckt i musikalisk utbildning och musikalisk utveckling. En person måste ha en viss kunskap, känna till en viss uppsättning klassiska verk som formar hans smak och estetiska preferenser.
Music of the Ancient World
Musikkulturens historia börjar i antiken. Tyvärr finns det inga bevis för deras musik från de allra första civilisationerna. Även om det är uppenbart att det musikaliska ackompanjemanget av riter och ritualer existerade från de allra första stadierna av det mänskliga samhällets existens. Forskare säger att musik har funnits i minst 50 000 år. Dokumentära bevis på förekomsten av denna konst visas sedan tiden för det antika Egypten. Redan på den tiden fanns ett omfattande system av musikaliska yrken och instrument. Melodier och rytmer ackompanjerade många typer av mänsklig aktivitet. I dettid, en skriftlig form av inspelning av musik dök upp, som gör det möjligt att bedöma dess ljud. Från tidigare epoker fanns bara bilder och rester av musikinstrument kvar. I det forntida Egypten fanns andlig musik som åtföljde utförandet av kulter, såväl som åtföljande en person i arbete och vila. Under denna period visas musik för första gången för att lyssna på i estetiska syften.
I det antika Greklands kultur når musik sin högsta utveckling för denna historiska period. Olika genrer dyker upp, instrumenten förbättras, även om vokalkonst råder vid denna tid, skapas filosofiska avhandlingar som förstår essensen och syftet med musik. Musikteater dyker upp för första gången i Grekland som en speciell typ av syntetisk konst. Grekerna var väl medvetna om kraften i musikens inverkan, dess pedagogiska funktion, så alla fria medborgare i landet var engagerade i denna konst.
Medeltidens musik
Etableringen av kristendomen i Europa har avsevärt påverkat den musikaliska kulturens drag. Det finns ett enormt lager av verk som tjänar religionens institution. Detta arv kallas andlig musik. Nästan varje katolsk katedral har orglar, varje kyrka har en kör, som alla gör musik till en del av den dagliga tillbedjan av Gud. Men i motsats till den andliga musiken bildas en folkmusikalisk kultur, den kommer till uttryck för karnevalsprincipen, som M. Bakhtin skrev om. Under senmedeltiden bildades sekulär professionell musik, den skapades ochdistribueras av trubadurer. Aristokratin och riddarna blir kunder och konsumenter av musik, samtidigt som de inte nöjde sig med vare sig kyrklig eller folkkonst. Så här framträder musik som gläder örat och underhåller människor.
Renaissance Music
Med övervunnen av kyrkans inflytande på alla aspekter av livet börjar en ny era. Idealen för denna period är gamla prover, därför kallas eran för renässansen. Vid den här tiden börjar musikkulturens historia utvecklas huvudsakligen i en sekulär riktning. Under renässansen uppträdde sådana nya genrer som madrigal, körpolyfoni, chanson, koral. Under denna period bildas nationella musikkulturer. Forskare talar om framväxten av italiensk, tysk, fransk och till och med holländsk musik. Verktygssystemet under denna historiska period genomgår också förändringar. Om orgeln tidigare var den viktigaste, nu ligger strängarna före den, uppträder flera typer av violer. Typen av klaviatur har också berikats avsevärt med nya instrument: klavikord, cembalo, cembalos börjar vinna kärleken hos kompositörer och artister.
barockmusik
Under denna period får musik en filosofisk klang, blir en speciell form av metafysik, melodin får en speciell betydelse. Detta är de stora kompositörernas tid, under denna period arbetade A. Vivaldi, J. Bach, G. Handel, T. Albinoni. Barocktiden präglades av uppkomsten av sådan konst som opera, även vid denna tid skapades oratorier, kantater, toccator, fuga, sonater och sviter för första gången. Det är öppettiderkomplikation av musikaliska former. Men under samma period sker en ökande uppdelning av konsten i högt och lågt. Folkmusikkulturen är åtskild och inte tillåten i det som i nästa era kommer att kallas klassisk musik.
klassicismens musik
Lyxig och överflödig barock ersätts av strikt och enkel klassicism. Under denna period delas musikkulturens konst slutligen upp i höga och låga genrer, kanoner etableras för huvudgenrerna. Klassisk musik har blivit konsten att salonger, aristokrater, det ger inte bara estetiskt nöje, utan underhåller också allmänheten. Den här musiken har sin egen, nya huvudstad - Wien. Denna period präglas av utseendet av sådana genier som Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn. I klassicismens tidevarv bildades äntligen den klassiska musikens genresystem, sådana former som konserten och symfonin dök upp, och sonaten fullbordades.
I slutet av 1700-talet formades romantikens stil inom klassisk musik. Den representeras av sådana kompositörer som F. Schubert, N. Paganini, senare romantik berikades med namnen F. Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss. I musik börjar lyrik, melodi och rytm att värderas. Under denna period bildades nationella kompositörskolor.
Slutet av 1800-talet präglades av antiklassiska känslor inom konsten. Impressionism, expressionism, nyklassicism, dodekafoni dyker upp. Världen står på tröskeln till en ny era, och detta återspeglas i konsten.
Musik 20århundrade
Det nya århundradet börjar med proteststämningar, musiken genomgår också revolutionära förändringar. Efter första världskriget blickar tonsättare till det förflutna för inspiration, men de vill ge gamla former ett nytt sound. Experimentens tid börjar, musiken blir väldigt mångsidig. Klassisk konst förknippas med så stora kompositörer som Stravinsky, Shostakovich, Bernstein, Glass, Rachmaninov. Begreppen atonalitet och aleatorik dyker upp, vilket helt förändrar idén om harmoni och melodi. Under denna period växer demokratiska processer i musikkulturen. Variation dyker upp och fångar allmänhetens uppmärksamhet, senare finns det en sådan protestmusikalisk rörelse som rock. Det är så en modern musikkultur formas, kännetecknad av en mängd stilar och trender, en blandning av genrer.
Musikkulturens nuvarande tillstånd
I slutet av 20-talet - början av 2000-talet går musik igenom ett skede av kommersialisering, den blir en brett replikerad vara, och detta minskar dess kvalitet avsevärt. Under denna period expanderar instrumentens möjligheter avsevärt, elektronisk musik dyker upp, digitala instrument med tidigare osynliga uttrycksfulla resurser. Eklekticism och polystilism dominerar inom den akademiska musiken. Modern musikkultur är ett enormt lapptäcke där avantgarde, rock, jazz, neoklassiska trender och experimentell konst hittar sin plats.
Rysk folkmusiks historia
UrsprungRysk nationalmusik måste sökas i det antika Rysslands tid. Det är möjligt att bedöma trenderna under den perioden endast genom fragmentarisk information från skriftliga källor. På den tiden var rituell och vardagsmusik utbredd. Sedan urminnes tider fanns professionella musiker under kungen, men betydelsen av folkloreverk var mycket stor. Det ryska folket älskade och visste hur man sjunger, genren för vardagssång var den mest populära. Med tillkomsten av kristendomen berikades den ryska musikkulturen med andlig konst. Kyrkkörsång framstår som en ny sånggenre. Men traditionell monofonisk sång dominerade i Ryssland i många århundraden. Först på 1600-talet tog en nationell tradition av polyfoni form. Sedan dess har europeisk musik kommit till Ryssland, med sina egna genrer och instrument, och differentieringen till folkmusik och akademisk musik börjar.
Men folkmusiken gav aldrig upp sina positioner i Ryssland, den blev en inspirationskälla för ryska kompositörer och var mycket populär bland både vanligt folk och aristokratin. Det kan ses att många klassiska kompositörer vände sig till folkmusikaliskt bagage. Så, M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tchaikovsky använde ofta folkloremotiv i sina verk. Under sovjetperioden var folkloremusik efterfrågad på statlig nivå. Efter Sovjetunionens kollaps upphörde folkloremusiken att tjäna ideologin, men försvann inte utan tog ett eget segment i landets allmänna musikkultur.
Rysk klassisk musik
På grund av att ortodoxin under lång tid införde ett förbud mot utvecklingen av sekulär musik, utvecklas akademisk konst i Ryssland ganska sent. Från och med Ivan den förskräcklige bodde europeiska musiker vid det kungliga hovet, men det fanns inga egna kompositörer ännu. Först på 1700-talet började den ryska tonsättarskolan ta form. Men under lång tid var musiker influerade av europeisk konst. En ny era av musikkultur i Ryssland börjar med Mikhail Glinka, som anses vara den första ryska kompositören. Det var han som lade grunden till rysk musik, som drog teman och uttrycksfulla medel från folkkonsten. Detta har blivit ett nationellt särdrag för rysk musik. Som på alla livets sfärer har västerlänningar och slavofiler utvecklats inom musiken. Den förra inkluderade N. Rubinshtein och A. Glazunov, och den senare inkluderade kompositörerna av The Mighty Handful. Men i slutändan vann den nationella idén och alla ryska tonsättare har i varierande grad folkloremotiv.
Höjdpunkten av den förrevolutionära perioden av rysk musik är P. I. Tjajkovskijs verk. I början av 1900-talet återspeglades revolutionära förändringar i musikkulturen. Kompositörer experimenterar med former och uttryckssätt.
Den tredje vågen av rysk akademisk musik är förknippad med namnen på I. Stravinsky, D. Shostakovich, S. Prokofiev, A. Skrjabin. Sovjettiden blev mer av en tid för artister än för kompositörer. Även om enastående skapare dök upp på den tiden: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Efter Sovjetunionens kollaps,Akademisk musik i Ryssland har nästan helt börjat spela.
Populärmusik
Musikkulturen består dock inte bara av folkmusik och akademisk musik. Under 1900-talet intar populärmusiken, i synnerhet jazz, rock and roll, popmusik, en fullvärdig plats inom konsten. Traditionellt anses dessa riktningar vara "låga" jämfört med klassisk musik. Populärmusik uppträder med bildandet av masskultur, och den är utformad för att tjäna massornas estetiska behov. Varietykonst är idag nära kopplat till konceptet showbusiness, det är inte längre en konst, utan en industri. Denna typ av musikalisk produktion fyller inte konstens pedagogiska och bildande funktion, och det är just detta som ger teoretiker anledning att inte ta hänsyn till popmusiken när de överväger musikkulturens historia.
Formation och utveckling
Enligt experter inom området pedagogik, bör odling och fostran av musikkultur börja från själva födseln av en person, och även under prenatal bildning. Detta bidrar till utvecklingen av barnets intonationshörsel, bidrar till hans känslomässiga mognad, utvecklar figurativt och abstrakt tänkande. Men om ett barn upp till 3 år främst kan lyssna på musik, kan han senare lära sig att uppträda och till och med komponera. Och från 7 års ålder rekommenderar experter att börja i musikteoriutbildning. Sålunda gör bildandet av grunderna för musikkulturen det möjligt för barnet att utveckla en mångsidig, fullfjädrad personlighet.
